1. Why do these new paintings have fewer drawings and more areas of color? We’d like you to talk about the areas of color in the paintings in this new series, the ones we saw emerge in your studio last July.

 

Since the residency I did in Corsicana, my works have started to have fewer and fewer drawings. This process, which was casual, was due to the fact that there was not a good internet connection in the atelier, which made it difficult for me to access Google Street View. Intuitively, I started paying more attention to the paintings themselves than to the representative references of virtual spaces. There, I noticed a strong presence of natural light—there were windows on all the walls—and I realized that during the day this lighting interfered with all the colors that were already painted on the canvases. This made me focus on the forms and areas of color that I had introduced on the canvas, on the cutouts, planes, and color transitions. Today, I understand that these cutouts and plans are also drawings that suggest platforms of different spaces.

 

Since I wasn’t starting from Google Street View, I didn’t see much sense to introducing so many drawings.

In these new works, the few drawings that appear are clues, indicative of a possible place that may exist in the imagination; for example, a small square can be seen as a door, a stencil cutout can be a ship, triangles can be trees… 

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Previous works already suggested environments that did not exist, because, in a single work, I used several places as a reference, which resulted in a painting of nowhere. In these current works, I think that the composition is being formed by planes of spaces, which comes from the experience of physical space, from perceiving the light in the landscape, and also from the landscapes we inhabit in virtual spaces, overlapping spaces, layers.

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Even though drawing is not as present in the current works, I still imagine that I will come back to it later on, but, at the moment, I’m focusing on painting, because I want to do more and more work with more complex planes of color.

This path of “less drawing”, less information, also comes from a wish to be more silent, to breathe, needing an “emptiness” to be able to think, reflect, we are increasingly living in a world with an excess of information, of image, of stimuli, of everything, and in this everything, there’s something missing.

 

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   2. Why did you decide to work with shades of gray? It’s hard to escape the values of black and white in Kandinsky’s theories of color, bad hope, good hope. And the grays, what would they be? Lack of hope? Neutrality?

 

Intuitively, the colors have moved more and more towards grays, but I still see other colors in them, to tell the truth. These more neutral, lighter shades came on account of my experience in Texas. In addition to the natural brightness of the atelier, when I was there, I was able to walk around the city at different times of the day, and I noticed how the light interfered with the colors of the urban landscape, the sheds, the small buildings, everything had a pastel color, it was as if you were seeing through of a white filter, a mist. In the late afternoon, the sun appeared brighter and it punctuated some fragments of the city, as if they were points of color-light in the nightfall. 

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For me, these tones are linked to neutrality, a moment of calm, rest from these times. 

I see hope in these colors, which become empty by erasure. It is also necessary to empty yourself in order to be able to see and have hope, to neutralize in order to reflect.

 

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    3. Do you consider these large-format paintings a series? Does the series have a name? How big are these paintings? Are they related to the dimensions of the windows and the shadows they cast in your atelier in Texas? Please talk about that moment.

 

In the exhibition, I will just show two canvases produced in Corsicana, one really big and another a bit smaller, both in the upper room. I don’t consider them as a series. Their names are combinations of places that I visited there, that I visited in person and virtually. The largest is 190 by 135 cm and the smallest is 132 by 105 cm. There, I made three 190 by 135 cm canvases, and, yes, those are the approximate measurements of the windows. I was inspired by the dimensions of the windows, because I saw them as if they were computer screens/windows. This idea arose from a feeling of discomfort I lived through: For a few days, I felt unsafe going out and walking down the street on account of men who would approach and offer me a ride. I felt kind of scared and decided to avoid going out. On account of that, I started observing the landscape only through the atelier windows. The process lasted several days. After a while, I decided to ‘stop giving a fuck’ and started running instead of walking, and that way no one else offered me a ride.

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The shadows that came in through the windows were more related to the interventions I made in the space. I couldn’t help paying attention to them, they were very present, since the intense light that came in the studio strongly influenced the preparation of colors. The choice to work in large dimensions also came from the size of the atelier, because I managed to keep a distance from the canvas. I think this also led me not to work so much with drawing, because it’s not possible to see the detailed drawings from a distance… Thinking about it now, who knows, later on, I might amplify the scale of the drawings…

 

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   4. Do you still think about leaving the painting frame and invading the architecture of space? And what about the sun hidden in the marquee of the façade? How was that idea? What do you think about uniting painting and mural as a single work? As an installation? Or as an environment?

 

Right now, I think that the invasion of painting into space, if it happens, will be in the field of color, and not with drawing, because if not, I will point my gaze somewhere else, and I think I am in a research phase where I need to work calmly, one step at a time, and I think that, for this exhibition, I am already working on new processes in these paintings.

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Regarding the sun hidden in the marquee of the façade, I’m still thinking, I think first I need to open the canvases into space to be able to see, think, and be sure, I’m going to take fluorescent paper to test there, the day we install the exhibition.

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In this case, if I continued with the idea of interventions, in drawing, in space, I would not think of it as a mural, I would think of it as an installation, an installation where the paintings could also work without the intervention… but due to the fact that the paintings have very suave colors, I believe that the intervention might take people’s gaze away too much.

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I still have an idea of suddenly introducing a light gray tone on the walls, but then I see it as an environment.

 

 

   5. And what about that citrus yellow, neon yellow in your paintings? Is it your favorite color? No, so what color do you like best? Please talk about citrus yellow and why it is so present in your trajectory, even before your more painterly phase. Have you read about Color Psychology? Do you enjoy these color-driven studies of interpretation of experience?

 

I wouldn’t say that neon yellow is my favorite color, but it would be the color that has most interested me for quite a while. Before working with neon yellow, I had been working a lot with shades of grey, black and white, like in the drawings of numbers, in the paintings/interventions on crossword puzzles, in the installations with photocopies of packaging, and in the paintings I wrapped packaging around. 

 

Neon yellow first started to be present with the work Jenga (Terremoto) – Jenga (Earthquake), where I painted some pieces with neon yellow and in the painting of the word search, where the letters were painted in yellow with a white background. In both of these works, the idea was to confuse and entangle the gaze, make it a little difficult to read, and the objective of the game, this proposal has always been present in all the works, even in the packaging works when I overshadowed the color, turning it into black and white, it was difficult to visualize the identity of each label; in the drawings of numbers, the compositions were shuffled; in painting interventions on crossword puzzles, the idea was always to seal off information; I have always been working with the idea of erasure.

 

At first, I was interested in working with neon, because I found a path for this color that was the opposite of what it’s usually used for. Neon yellow is usually used to highlight important parts of a text, to signal, it is an indicative color, it represents attention. 

 

In my first works, I used it in order to shuffle information, because it has a lot of brightness… it causes a certain blindness. There is a work by a Galician artist, Carlos Maciá, who made an installation at the Fidalga Project, and seeing this work, I think, was what gave me the ‘snap’ to work with this color. He made an installation in drawing, with fluorescent colors, in the entire room… when I went in to see… I stayed for a short time and went out, because it vibrated a lot… it emitted a lot of light… it seemed that after a while you couldn’t see anything… When I had this experience, I realized that it was possible to reach a certain blindness and shuffling effect by using this color rather than just overshadowing with shades of gray.

 

I have read about Color Psychology. I read more about it during college and when I was in the process of working with black and white packaging. Then my work moved more towards drawing, but now that I’m painting again, I got interested again. I bought a book, which is called Reflexões Sobre a Cor (Reflections on Color) by Marco Giannotti, made of essays written by various artists. There are some texts that discuss color’s relationship with space, in architecture, in the digital field.

 

   6. Tell us a bit about transparency and opacity in the paintings in this exhibition.

 

I like working with more opaque tones, because I’ve realized that the colors show deeper, but there is also a transparency. I see transparency in the transition of colors that are always composed with a little bit of the color closest to them.

 

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About intuitive processes

 

   7. Tell us a little about intuition… Fayga said “(…) that intuition and perception are modes of knowledge, ways of seeking out certain orders and certain meanings. When we identify something, something also becomes clear to us and in us. Something is structured.” Could you identify what situations and what forms of knowledge were generated during the production of the paintings in this exhibition?

 

During these processes, intuition and perception are very important. I learn to see what the work wants and not just what I want, as if the work were also a subject. As much as it might seem like these works are super-controlled, measured by the millimeter... I actually feel completely out of control… because I start thinking about doing things in a determined way, but as the color composition appears, the colors start directing me and suggesting ways to go forward. This is something new for me, because in prior works I would get an idea and I would make it concrete, there were few deviations, and they played out more rationally. Not in these paintings. I form a previous imaginary that changes completely during the construction. It’s one thing to prepare the color tones inside a little bottle, and it’s another to see the color on the surface, next to another color, next to a line, a plane. It’s a structure that’s being formed little by little, it’s a process that’s constantly suggesting a new path to follow. 

 

Here in the studio, I also realize that one work influences another—even the stains on the wall, so I think that, when we install the exhibition something might change too. Noticing the cut of the rooms, the doorways, the shadows… It’s a process that seems like I’m always floating, it’s a feeling that makes me uncomfortable sometimes, at the same time that it feels good… because it seems that something is always about to be discovered.

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19 DE SETEMBRO DE 2022 

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RODRIGUEZREMOR entrevista ALICE RICCI   

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Entrevista realizada por ocasião da exposição individual Na Superfície Silenciosa das Formas, de Alice Ricci, OMA Galeria, São Paulo, 2021

 

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1. Por que essas novas pinturas têm menos desenhos e mais áreas de cor? Gostaríamos que você falasse sobre as áreas de cor nos quadros dessa nova série, aqueles que vimos surgir no teu estúdio em julho passado.

 

Desde a residência que fiz em Corsicana meus trabalhos passaram a ter cada vez menos desenhos. Esse processo, casual, se deu pelo fato de não haver uma conexão boa de internet no ateliê, o que dificultou o meu acesso ao Google Street View. Intuitivamente comecei a prestar mais atenção na pintura em si do que na referência representativa dos espaços virtuais. Lá percebi uma presença grande da luz natural – haviam janelas em todas as paredes – e percebi que no decorrer do dia essa iluminação interferia na totalidade das cores já pintadas nas telas. Isso fez com que eu focasse nas formas e áreas de cor que introduzia nas telas, nos recortes, planos e transição de cores. Hoje entendo que esses recortes de planos também são desenhos que sugerem plataformas de espaços diversos. 

Não partindo do Google Street View, não vi muito sentido introduzir tantos desenhos.

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Nesses trabalhos novos, os poucos desenhos que surgem são indícios, indicativos de um possível lugar que possa existir no imaginário, por exemplo, um pequeno quadrado pode ser visto como uma porta, um recorte de stencil pode ser um navio, triângulos podem ser árvores... 

Os trabalhos anteriores já sugeriam ambientes que não existiam, pois num único trabalho eu usava como referência diversos lugares, que resultavam em uma pintura de lugar nenhum. Nos trabalhos de agora penso que a composição está sendo formada por planos de espaços, que vem da experiência do espaço físico, de perceber a luz na paisagem e também das paisagens que habitamos nos espaços virtuais, sobreposições de espaços, camadas.

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Mesmo o desenho não estando tão presente nos trabalhos atuais eu ainda imagino que mais pra frente irei retomar, mas no momento estou focando na pintura porque quero cada vez mais trabalhar com planos mais complexos de cor.

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Esse caminho do “menos desenho”, menos informação, vem também de uma vontade de estar mais em silêncio, de um respiro, precisando de um “vazio” pra poder pensar, refletir, estamos cada vez mais vivendo um mundo de excesso de informação, de imagem, de estímulos, de tudo, e nesse tudo, falta.

 

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   2. Por que você decidiu trabalhar com as gradações de cinza? É difícil escapar dos valores de cor do preto e do branco das teorias de cor do Kandisnsky, esperança maléfica, esperança do bem. E os cinzas o que seriam? Falta de esperança? Neutralidade?

 

Intuitivamente as cores tem seguido cada vez mais para os cinzas, mas ainda enxergo outras cores nelas, na verdade. Essas tonalidades mais neutras, claras, vieram por conta da minha experiência no Texas. Além da claridade natural do ateliê, quando estive lá, pude caminhar pela cidade em diversos horários do dia e percebi como a luz interferia nas cores da paisagem urbana, dos galpões, nos pequenos edifícios, tudo tinha uma cor pastel, era como se enxergasse através de um filtro branco, de uma névoa. No final da tarde, o sol aparecia com mais brilho e pontuava alguns fragmentos da cidade, como se fossem pontos de cor-luz no entardecer. 

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Pra mim, esses tons estão ligados a neutralidade, a calmaria, a um descanso para os tempos de hoje.

Eu vejo esperança nessas cores, que se tornam vazias pelo apagamento. É preciso também esvaziar pra poder ver e ter esperança, neutralizar pra poder refletir.

 

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   3. Você considera essas pinturas de grande formato uma série? Ela tem nome? Qual é a dimensão desses quadros? Eles têm relação com as dimensões das janelas e das sombras que elas projetavam no teu ateliê no Texas? Fale sobre esse momento.

 

Na exposição irei mostrar apenas duas telas produzidas em Corsicana, uma grandona e uma um pouco menor, ambas na sala de cima. Não considero elas como uma série, os nomes delas são junções de lugares que visitei lá, que visitei pessoalmente e virtualmente. A maior tem 190 x 135 cm e a menor 132 x 105 cm. Lá fiz três telas de 190 x 135 cm, e sim, essas são as medidas aproximadas das janelas. Me inspirei nas dimensões das janelas, pois as vi como se fossem a tela/janela do computador. Essa ideia surgiu de um desconforto que vivi:  por alguns dias me senti insegura de sair andando pela rua por conta de homens que me abordavam oferecendo carona, fiquei meio com medo e preferi evitar ficar saindo. Por conta disso comecei a observar a paisagem apenas pelas janelas do ateliê, esse processo durou alguns vários dias. Depois de um tempo ‘liguei o foda-se’ e passei a correr ao invés de caminhar, daí ninguém mais me ofereceu carona.

As sombras que surgiam pelas janelas tiveram mais relação com as intervenções que fiz no espaço, não tinha como eu não prestar atenção nelas, eram muito presentes, já a luz intensa que entrava no ateliê influenciou muito na preparação das cores. A escolha de trabalhar em grandes dimensões também veio pelo tamanho do ateliê, pois eu conseguia ter um distanciamento da tela, acho que isso também me levou a não trabalhar tanto com desenho, pois a distância não é possível ver os desenhos detalhados... agora aqui pensando, quem sabe mais pra frente eu não amplie a escala dos desenhos...

 

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   4. Você segue pensando em sair do quadro da pintura e invadir a arquitetura do espaço? E em relação ao sol oculto da marquise da fachada? Como ficou essa ideia? O que você pensa sobre a união de pintura e mural como obra única? Como instalação? Ou como ambiente?

 

No momento penso que a invasão da pintura no espaço, se houver, será em campo de cor, e não com desenho, porque se não eu vou apontar o olhar para um outro lugar, e acho que estou num momento de pesquisa que preciso ir com calma, um passo de cada vez, e acho que pra essa exposição eu já estou trabalhando processos novos nessas pinturas.

 

Sobre o sol oculto na marquise eu ainda estou pensando também, acho que primeiro preciso abrir as telas no espaço pra poder visualizar, pensar e ter certeza, vou levar um papel flúor pra testar lá, nos dias da montagem.

 

No caso, se eu continuasse com a ideia das intervenções, em desenho, no espaço, eu não pensaria como mural, pensaria como instalação, uma instalação na qual as pinturas também pudessem funcionar sem a intervenção.... mas pelo fato das pinturas estarem com cores muito suaves acredito que a intervenção roubaria muito o olhar. 

 

Sigo com a ideia de de repente introduzir um tom cinza claro, nas paredes, mas aí encaro isso como ambiente.

 

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   5. E esse amarelo-cítrico, amarelo neon das tuas pinturas? É a sua cor favorita? Não, qual então é a cor que você mais gosta? Fale sobre o amarelo-cítrico e por que ele é tão presente na tua trajetória, mesmo antes dessa tua fase mais pintora. Você lê sobre a Psicologia das Cores? Curte esses estudos de interpretação da experiência conduzidos pela cor?

 

Eu não diria que o amarelo neon é minha cor favorita, mas seria a cor que mais tem me interessado de uns bons tempos pra cá. Antes de trabalhar com o amarelo neon, eu vinha trabalhando muito com as tonalidades do cinza, preto e branco, como nos trabalhos de desenhos de números, as pinturas/intervenções sobre os jogos de palavras cruzadas, nas instalações com fotocópias de embalagens e nas pinturas onde eu contornava as embalagens. 

 

O amarelo neon começou a ficar presente a partir do trabalho Jenga (Terremoto), no qual pintei algumas peças com o amarelo neon e na pintura de caça palavras, onde as letras eram pintadas em amarelo com fundo branco. A ideia nestes dois trabalhos era a de confundir e embaraçar o olhar, dificultar um pouco a leitura e o objetivo do jogo, essa proposta esteve sempre presente em todos os trabalhos, mesmo  nas obras das embalagens quando eu ofuscava a cor, transformando em preto e branco, era difícil visualizar a identidade de cada rótulo; nos desenhos de números, as composições ficavam embaralhadas; nas intervenções em pintura sobre os jogos de palavras cruzadas, a ideia foi sempre vedar informações; venho desde sempre trabalhando com a ideia do apagamento.

 

No início me interessei em trabalhar com o neon porque encontrei um caminho para essa cor que era o oposto para a qual se costuma usar. O amarelo neon habitualmente é usado para demarcar pontos importantes de um texto, para sinalizar, é uma cor indicativa, representa atenção. 

Nos primeiros trabalhos eu usava no intuito de embaralhar a informação, como ela tem muito brilho ... causa uma certa cegueira. Tem um trabalho de um artista galego, o Carlos Maciá, que realizou uma instalação no Projeto Fidalga, e ver essa obra acho que foi o que me deu o ‘estálo’ para trabalhar com essa cor. Ele fez uma instalação em desenho, com cores fluorescentes, em toda a sala... quando entrei para ver... fiquei pouco tempo e sai, porque vibrava muito ... emitia muita luz... parecia que depois de um tempo não se via nada... Ao vivenciar isso percebi que era possível obter uma certa cegueira e embaralhamento com o uso dessa cor e não somente ofuscando com tons de cinza.

 

Já li sobre a Psicologia das Cores, li mais durante a faculdade e quando estava no processo das obras com as embalagens em preto e branco. Depois meu trabalho foi caminhando mais para o desenho, mas agora que estou pintando novamente voltei a me interessar. Comprei um livro, que se chama Reflexões Sobre a Cor, do Marco Giannotti, são ensaios escritos por vários artistas. Há textos que falam da relação da cor com o espaço, na arquitetura, no campo digital.

 

   6. Fale um pouco sobre transparência e opacidade nas pinturas dessa exposição.

 

Gosto de trabalhar com tons mais opacos porque percebo que a cores se apresentam mais profundas, mas há também transparência, vejo tranparência pela transição das cores que sempre são compostas com um pouco da cor que está mais próxima a ela.

 

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Sobre processos intuitivos

 

   7. Fale pra gente um pouco sobre intuição... Fayga falava “(...) que a intuição e a percepção são modos de conhecimento, vias de buscar certas ordenações e certos significados. Quando identificamos algo, algo também se esclarece para nós e em nós. Algo se estrutura.” Você consegue identificar que situações e que conhecimentos foram gerados durante a produção das pinturas dessa exposição?

 

Nesses processos, a intuição e a percepção são muito importantes, aprendo ver o que o trabalho quer e não somente o que eu quero, como se o trabalho também fosse um sujeito. Por mais que sejam trabalhos que aparentam ser super controlados, milimetrados ... me sinto na realidade em total descontrole... porque inicialmente começo pensando em fazer de determinada forma, mas conforme a composição de cores aparece, elas vão me direcionando e sugerindo formas de seguir. Isso é algo novo pra mim, pois nos trabalhos anteriores eu tinha a ideia e a concretizava, haviam poucos desvios e se davam de maneira mais racional. 

 

Nessas pinturas não, formo um imaginário prévio que no decorrer da construção muda completamente. Uma coisa é preparar os tons de cor dentro de um vidrinho, outra coisa é enxergar a cor na superfície, ao lado de outra cor, ao lado de uma linha, de um plano, é uma estrutura que vai se formando aos poucos, é um processo que o tempo todo está sugerindo um caminho novo a ser seguido. 

 

Aqui no ateliê também percebo que um trabalho influencia o outro, até mesmo as manchas na parede, por isso acho que na montagem da exposição pode ser que alguma coisa mude também. Perceber os recortes das salas, um batente, as sombras... é um processo que parece que estou sempre flutuando, é uma sensação que às vezes me incomoda, ao mesmo tempo que é bom... porque parece que algo sempre está para ser descoberto.